Inclasificables, distintos, oscuros y depresivos. A la vez, creativos y soñadores. Esto es Tool, una de las bandas más innovadoras y creativas de los últimos tiempos, donde la rabia y la agresión se disfrazan de melodías oscuramente saturadas y de sonidos crudos y directos. Maynard James Keenan se ha ganado una reputación de genio agrio y dulce, talento inspirado en sus letras rebuscadas y profundas, críticas y destructivas, que bombardearon desde lo oculto las ideas de miles de jóvenes que engancharon con su anti marketing y su postura rebelde. Como dato anexo los cuatro integrantes de Tool son discípulos de una especie de orden religiosa llamada Lachrymologist y esta visión espiritual muy intensa y catártica en su expresión del llanto como liberación del dolor, ha sido fundamental en el original sonido de la banda.

 Melancholy Mechanics

persistant mystic faults my vision
its like always this point of collision

its raining in my cranium
my head feels like a stadium

3 pound of love
about to burst
inside my 3 pound
universe

its raining in my cranium
my head feels like a stadium

these are the melancholy mechanics of my mind

symbols I've been given to express my goal
always come up short
you know they just don't get that low

its raining in my cranium
my head feels like a stadium

these are the melancholy mechanics of my mind

Quick release chemicals strike with incomprehensible precision
Biorganic electronics targeting microscopic destinations of devistation

cleaner than light
meaner than a laser fight in the night 2000
billions of micro maniacs unknown to most as the uncontrollable soldiers
of suffering succotash
instantaneous infiltration leaves me with a case of bustation, frustration,
alone in the constellation of alienation detached from empty conversation
I wait
I wait
for the waaaaaave to break.

                                                                 Red Hot Chili Peppers from Twister OST

 

 

Neoyorkinos siguiendo la tradición deconstructora de sus antepasados. ¿Quién dijo que en las arenas del metal y el doom, la cosa solo pasaba por una asunto de velocidad y adoración al Calavera con Cachos? Khanate consigue lo que ya hubiesen querido hacer John Cale y Maureen Tucker tres décadas atrás, destruir la música a nivel cero. O casi.
 
Viernes 12 de Marzo de 2004, Club Tonic, New York. La meca del avant garde neoyorkino recibe con los brazos abiertos a los por ahora, más grandes terroristas sónicos que ha cobijado la ciudad, también sospechosos de haber provocado la espantosa tragedia sucedida en Madrid hace algunos días.
 
No iban mas de 10 minutos de actuación cuando un considerable porcentaje del publico (que agotó las entradas) comienza a abandonar el recinto, con sus oídos y mentes absolutamente agobiados por una bola de sonido que representaba fielmente la sensación de esterilidad absoluta, de muerte (mas allá de la muerte y más allá de millones de muertes), destrucción absoluta y desesperante caos.
 
Al final de su actuación (que debe haber bordeado no más de 35 minutos), la sala de conciertos se encontraba a un 60% de su capacidad. Los sobrevivientes a la masacre, pedían agua a gritos, impávidos y sin reacción alguna luego de soportar aquella descarga sonora.
 
¿Pero qué rayos es lo que hace Khanate para generar semejantes reacciones y poder crear semejante abstracción sonora? La banda, básicamente influenciada por una escuela rockera que queda de manifiesto en sus raíces, decidió alejarse de muchos de los códigos que buscan la mayoría de sus pares metaleros, es decir, pulcritud, velocidad, mas velocidad y numerosas referencias al Señor de las Tinieblas. Los chicos decidieron sumergirse en las lentas y aletargadas frecuencias que les podía brindar el Doom pero falta un importante detalle. La banda tiene sus raíces en la ciudad de Nueva York, el lugar mas propicio para dar paso a la deconstruccion sonora, la cual siempre vino encausada bajo una tradición musical que se inició en aquellos tiempos en que la Velvet Underground hacia gala de toda una nueva forma de interpretar la música.
 
Desde Mars hasta Sonic Youth, pasando por DNA y terminando en los Liars. Todo el que pasa un tiempo en la Gran Manzana, no puede sustraerse a este flujo sensorial que fluye en forma natural. Y bueno, Khanate no se libró de esto.
 
Cuando la No Wave llega su esplendor creativo, era un poco difícil imaginarse que podría venir después. Khanate lo logra basándose en una fórmula que implica estirar la lentitud del doom, a niveles prácticamente intolerables por un ser humano.
 
La banda (se pronuncia “Con-eight”) fue formada en el otoño del 2000 luego de un encuentro entre el bajista James Plotkin y el ex Burning Witch y actual miembro de Sunn0))), Stephen O’Malley. Al poco tiempo se incorporaría el cantante Alan Dubin y el batero  Tim Wyskida. Mal día porque Khanate llego al mundo para no dejar ser vivo a nadie.
 
Luego de dos “insoportables” discos, la banda se ha consolidado como una de las propuestas más interesantes dentro del alicaído y estancado movimiento extremo. Aquí la vida no tiene valor, la muerte tampoco, es algo mas complicado que la destrucción y el caos. Khanate es la mejor expresión sonora y lírica del arte de recrear un estado minimal, el cual va mucho mas allá de Satan, el Doom y la muerte. La reducción de la música en una ecuación cuyo resultado tiende a cero.

 

Fly Pan Am son un joven cuarteto de rock que, desde Montreal y las filas de Constellation, dedican su inspiración a componer potentes piezas que basan sus miras tanto en la tradición de la chanson francesa como en el art-punk de los años 70 y 80, o la música concreta. Sus cuatro columnas, el guitarrista Roger (reclutado en el 98 por Godspeed You Black Emperor!, con los que Fly Pan Am compartieron el cuarto 7" del fanzine canadiense aMAZEzine), el bajista J.s (que militó en el grupo de hardcore Wisigoth), más el guitarra Jonathan y el batería Felix, fundieron sus gustos en el magma incandescente que se convierte en su álbum de debut homónimo ("Fly Pan Am", 1998). Su querencia por el francés (de hecho, aunque fabriquen instrumentales, son el único grupo del sello de Quebec que utiliza la lengua gala para los títulos y créditos de sus discos) los distancia, y sus coordenadas cercanas a otros grupos del label, más sus reconocidas querencias, los deja como una arriesgada propuesta que, más allá de lo derivativo, perpetúa bloques marmóreos de sonido minimalista y robusto, algo así como unos Godspeed virados hacia el math-rock. Aún así, escapan a lo evidente con ramalazos de exhuberancia en los arreglos, y con una construcción de fondos sonoros a base de cintas y tratamiento de sonidos. "Sédatifs en Fréquences et Sillons", su segundo lanzamiento, es un Ep que contiene tres canciones, la primera de las cuales se convierte en una especie de auto-remezcla global en directo de su primer álbum, la última se deshace en maniobras sonoras casi abstractas, y la intermedia, verdadera prueba de fuerza para los más inquietos, funciona como un anti-funk que enlaza a los Talking Heads con el kraut-rock más primitivo. ¿Qué? ¿Cómo te quedas? Pues eso: Fly Pan Am. De hecho, "Ceux Qui Inventent N'ont Jamais Vécu(?)", tercera publicación del cuarteto, contiene la siguiente advertencia: no te preocupes, ni tu lector de cds ni el propio disco están defectuosos. Fly Pan Am quieren y admiten el error, la retroalimentación, y se convierten en sus propios saboteadores. Grabado en el Hotel2Tango, el mítico lugar donde viven/ensayan/tocan/graban algunos de los miembros de Godspeed, con un 24 pistas de reciente adquisición, y con los ojos y oídos de Thierry y Efrim dispuestos a la ayuda, la última llamada de atención de Fly Pan Am parece alarmante: están aquí, y tienen cosas que decir(nos). Supuestamente basado en su particular concepción del funk, (auto)deconstruido como viene siendo habitual en ellos, "Ceux Qui… " puede ser su voz definitiva: duro, repetitivo, imaginativo, mutante, ensoñador… Como dicen ellos mismos: "new wave meets no wave".

 

 

Tarentel son unos chicos de San Francisco aficionados al slowcore rabioso -entiéndase como el perpetrado por Slint o Rodan-, y especialmente interesados en el minimalismo conceptual -Steve Reich, Brian Eno-.

Su debut se desliza con rítmica crujiente y belleza épica -semejantes a Mogwai o Godspeed You! Black Emperor-, reverbs flotantes y pequeñas sacudidas de violencia inteligente. Cáustico y hermoso, extremadamente bueno

Con cada nuevo lanzamiento TARENTEL han ofrecido encantadoras pruebas de que no son sólo músicos, sino también magos.

"Ephemera Singles 99-2000" es una colección de canciones describe perfectamente el curso de los cuatro años de historia de la banda.

Comenzando con los crescendos que se desplegan lentamente en "The Waltz" y "Looking For Things" para acabar con los remolinos extensos de "Two Sides Of Myself" y "Searching For Things".

Desde su impresionante álbum de debut, "From Bone To Satellite", éste es el lanzamiento de TARENTEL que más ofrece.

Incluso como colección de sencillos, resulta ser un álbum intachable, lleno de magia.

 

 

 

Retorno a las estrellas

La editorial Minotauro nos ofrece ahora una reedición en bolsillo de Solaris. Se trata acaso de la novela más conocida de Stanislav Lem; sin duda, la adaptación cinematográfica del ruso Andrei Tarkovsky ha colaborado a su fama.

En esta novela, de ambiente claustrofóbico y obsesivo, hay tan solo tres personajes humanos. Pero el principal protagonista es el propio planeta, Solaris, un mundo cubierto por un inmenso océano de una extraña sustancia, con no menos extrañas propiedades, que parece ser un único organismo vivo y sentiente. Durante muchos años, los científicos han intentado desentrañar el misterio de Solaris, comprender las fascinantes estructuras que se originan en su superficie e incluso trabar contacto con la ¿posible, supuesta? mente del planeta. Pero en el momento de la novela, se ha renunciado prácticamente a este empeño. El principal protagonista humano, Kris Kelvin, llega a la estación Solaris para sustituir a uno de sus tres ocupantes y averiguar en qué circunstancias ha muerto. Allí, descubrirá que los dos miembros del equipo que sobreviven se encuentran al borde de la locura, y que en la estación hay otras extrañas presencias, fantasmas convertidos en carne y hueso de los que no se puede huir. Él mismo recibirá una visita de su pasado, Harey, una mujer a la que en un tiempo hizo daño y que ahora el propio planeta parece haber materializado para Kelvin. ¿Cuál es el propósito de estas creaciones? ¿Estudiar a los hombres, comunicarse con ellos, permitir que los hombres estudien a Solaris?

No es cuestión de seguir desarrollando la trama de la novela, pero sí de advertir que aquellos que sean aficionados a los finales redondos, razonados, «científicos», en los que todo queda explicado y archi-explicado tal vez se sientan defraudados... o descubran una forma distinta de escribir ciencia ficción. Solaris puede considerarse una novela de «primer contacto». Aunque en este caso el contacto se ha producido mucho tiempo antes de que se desarrolle la acción, no se ha avanzado apenas nada en la comprensión de ese misterioso ser que es el planeta entero. En la crítica de Rakhat, apuntaba: ¿Es tan fácil o tan útil crear extraterrestres literarios realmente extraños?. Lem lo hace en Solaris, y consigue crear en los lectores las mismas sensaciones de frustración y extrañeza que experimentan sus personajes al ser incapaces de comprender a Solaris o comunicarse con él. En ese sentido, recuerda algo a una de las mejores obras de Clarke, Cita con Rama, cuyo espíritu traicionó mercenariamente el propio autor al destripar sus sugerentes (y sólo sugeridos) misterios en las diversas continuaciones. Lem viene a susurrarnos al oído que no nos dejemos llevar por las sirenas del progreso científico, que lo que conocemos del funcionamiento del universo y de nosotros mismos es sólo una delgada corteza, y que nunca, por su propia esencia, llegaremos a conocer el meollo de la realidad. Con este mensaje pesimista ha escrito también magníficas novelas como La investigación o La fiebre del heno.

En la novela aparecen también otras constantes de Lem. Aunque el tono general tienda a lo sombrío, o al menos a lo inquietante, hay ciertas dosis de humor. Las discusiones y los interminables tratados sobre Solaris que llenan la biblioteca nos recuerdan otras obras del autor, que tanto gusta de inventar gruesas y escolásticas bibliografías sobre los temas más absurdos. Por otra parte, el deterioro, el absurdo, la chapuza reinan en la estación, como suele ocurrir en las naves de Stanislav Lem. Si a veces, como en Diarios de las estrellas, esto produce situaciones hilarantes, en Solaris la sensación es de decadencia, inutilidad, insignificancia del ser humano.

También Lem hace gala de su increíble imaginación visual y de la plasticidad de su estilo para describir sus propias visiones. (Esto se aprecia también en Retorno de las estrellas, novela que, casualmente, escribió en el mismo año, 1961). Aunque no lleguemos a conocer su función ni saber realmente qué son, es imposible que no nos sintamos fascinados por las simetríadas, los fungoides, los mimoides y otros grandiosos fenómenos que se producen en el océano viviente de Solaris. Lem hace gala del tan cacareado «sentido de la maravilla» de la ciencia ficción, que tan pocas veces llega a sentirse de verdad. Sólo por eso merecería la pena la lectura de este clásico.

 

GODSPEED YOU BLACK EMPEROR!

DIÓS TE SALVE EMPERADOR NEGRO!

Aquí tenemos al grupo de culto más espectacular de los últimos años: este colectivo de canadienses (de Quebec) que ha revolucionado como pocos el concepto de rock contemporáneo, apelmazando en un discurso (más bien un mantra) apocalíptico y único todas sus intenciones -políticas, éticas, poéticas, musicales, literarias-. Nadando en aguas turbias, arriesgándose, y engrandeciéndose precisamente por eso (alguien dijo hace poco que los grandes discos son aquellos que siempre están al borde del mal gusto pero no llegan a meterse en él), se han labrado una merecida fama a base de trabajos difíciles y hermosos, conciertos intensos hasta el éxtasis, y una política de promoción ciertamente hermética (no posan, no se dejan retratar, conceden más manifiestos conjuntos que entrevistas en sí mismas). Godspeed no son un grupo normal (y recemos porque haya más como ellos). La leyenda comienza con una casete, "All Lights Fucked on the Hairy Amp Drooling", que presenta a dos tipos, Efrim y Mauro, maltratando sonidos sacados de cualquiera sabe dónde, generando un sonido épico y salvaje, incómodo. Diciembre del 94. Cuatro años después, en otoño, el cuarto 7" del fanzine bilingüe de Montreal aMAZEzine se compone de una canción de Fly Pan Am (grupo también de Constellation al que Godspeed le piden prestado a Roger, uno de los guitarristas), más una cara B con "Sunshine + Gasoline", primera muestra de lo que son, más o menos (porque con ellos nunca se sabe), los 'actuales' Godspeed. "F#a#infinity" es, en realidad, la primera piedra (y en la frente), muestra del imaginario de estos irredentos jóvenes: desprecio hacia el establishment capitalista actual, querencia por lo oscuro, lo trágico, lo sublime. Arrebatos de intensidad eléctrica -sazonados con cuerdas que miran hacia Satie- entre marasmos de spoken word (el comienzo del disco, con un recitado de Lee Marvin, ya forma parte de la Historia de la Música más reciente), ruidos concretos y lírica temible. Tres canciones, 73 minutos (saquen la media). De pronto, el mundo -el más inquieto, claro- se rinde ante estos extravagantes muchachos (llegan a ser portada en el NME). Y ellos, a lo suyo: firman el disco con sus nombres (sin apellidos), oscilan entre los 9, 15 y 20 componentes, según el momento y el ánimo y, además, se muestran bastante poco receptivos a dejarse maltratar por la fama (¿miedo?). Y todo, con un disco que ha ido coleccionando diversas ediciones (desde 1995 hasta nuestros días), desde la más casera hasta el vinilo en Constellation, de la casi circunstancial al cd editado por Kranky. Y, siempre, como es norma de la casa en el sello canadiense, de una manera exquisita: si el cd es precioso, lo del vinilo no tiene nombre (incluye una bolsa con una moneda aplastada por las ruedas de un tren). Y todo girando alrededor del Hotel2Tango, especie de comuna donde viven la mayor parte de los miembros del grupo, donde ensayan, graban y dan conciertos… Toda vez en el candelero, hacen gira europea y, en los ratos libres, se sacan de la manga probablemente su mejor lanzamiento (más que nada, por la concreción), "Slow Riot for New Zero Kanada", un Ep de 28 minutos y sólo dos (tremendas) canciones. Brillante en su rotundidad, de las cuerdas desgarradoras del principio al arranque perezoso, del estallido noise al diluirse final en un ¾ de vals en toda regla (y esta vez con menos oscilaciones sampladélicas), Godspeed se centran. Y vencen. Para curiosos, la portada del Ep, una frase en hebreo, se traduce como 'Caos y Confusión'. El tercer y, hasta ahora, último lanzamiento del grupo (se prevé tercer álbum para verano, y en Constellation en ambos formatos), es "Lift your Skinny Fists like Antennas to Heaven", mastodóntica (doble CD, más de hora y media de duración global… En cuatro canciones) obra que los eleva a los altares por la crítica y el público -que, ya, conoce a ese grupo raro del que todo el mundo habla-, siendo su segundo puesto en la lista de los mejores del 2000 según Rockdelux una buena muestra nacional. "Yanqui u.x.o" es el nuevo trabajo de GODSPEED YOU! BLACK EMPREROR. "u.x.o" es una artillería que aún no ha explotado, es un conjunto de bombas. "yanqui" es el imperialismo pot-colonial, es una política de estado internacional, es una oligarquía corporativa multinacional. GODSPEED YOU BLACK EMPEROR! es cómplice, es culpable, se resiste. Su nuevo álbum es sólo música. Grabado por Steve Albini en el Electrical Audio de Chicago. Mezclado por Howard Bilerman y GODSPEED YOU! BLACK EMPEROR en el Hotel 2 Tango de Montreal. En el cómputo global, sale vencedor. ¿Por qué? Porque dura más. Porque suena mejor. Porque quizás se equilibra más razonadamente que los anteriores. Aunque, en cualquier caso, GODSPEED YOU! BLACK EMPREROR(Dios Te Salve, Emperador Negro) ya están fuera de toda duda: nadie pone los pelos de punta como ellos. Y no hay más que hablar. Porque bordear el gótico, el rock progresivo, la new-age, el art-rock-sin-sentido, y la clásica desde un punto de vista cavernario, y salir indemnes (y gloriosos)…

 

yanqui u.x.o. (cst024)	lift your skinny fists like antennas to heaven (cst012)	slow riot for new zero kanada e.p. (cst006)

 
 
 

f#a# infinity [1995-1997] (cst003)	godspeed/fly pan am 7" (released by aMAZEine)	all lights fucked on the hairy amp drooling

 

un mantra apocalíptico

 

 

Mazzy Star: Sueños de terciopelo desde otra dimensión

 

Mazzy Star son David Roback y Hope Sandoval. Una ex-pareja sentimental de cuya relación ha brotado una música de contornos sinuosos que abraza la psicodelia más clásica y el folk-pop. Canciones de acompañamiento para lluviosos días de otoño, pero también para descensos hasta los infiernos interiores.

La sucesión de los temas en sus tres celebrados discos parece que nos lleva desde los abismos de la pesadilla al despertar luminoso, de la desesperación al arrullo materno. Las melodías de Mazzy Star abrazan y reconfortan, sí: son el perfecto acompañamiento en la depresión invernal y la placentera sintonía de despertares estivales. Esa dualidad característica del sonido del grupo de David Roback y Hope Sandoval se ha mantenido en toda su trayectoria musical, dejándose abrazar por el espíritu de la Velvet Underground y Nico y, también, por qué no, de los Doors en la recreación de esos temas con final de apocalipsis de órgano y guitarras (Umbilical, So Tonight that i might see, Mary of silence).

La anterior trayectoria musical de sus líderes explica esta querencia por los sonidos más psicodélicos y las nanas eléctricas. David Roback, compositor de las músicas y líder en la sombra (cuyo viaje por la psicodelia de los ochenta como líder de Rain Parade, Opal o Clay Allison delimitó una de las carreras más interesantes de los últimos veinte años), es un tipo peculiar. Una persona que al frente de Rain Parade fue capaz de pergueñar el considerado principal álbum del rock psicodélico de los ochenta, "Emergency Third Rail Power Trip" (1983), dejar el grupo al poco tiempo en manos de su hermano Steven y, junto la también disidente, en este caso, de Dream Syndicate, y ex-pareja, Kendra Smith, formar Opal. Tras facturar dos estupendos Lps entre lo mágico y lo etéreo como son los discos "Happy nightmare baby" (1987) y "Early Recordings" (1989), el abandono sentimental y musical de Kendra deja a Roback huérfano en el aspecto musical.

Por suerte, una fanática de las andanzas de David, Hope Sandoval, que había grabado unas maquetas de su grupo folk, Going Home, se las mandó para su escucha. El flechazo musical y afectivo fue todo uno, y como parece habitual en Roback, el resultado de todo ello derivó en la formación de un grupo con su pareja sentimental. La cópula entre los mensajes desde otra dimensión del rock liségico de David y la enigmática dulzura del tono de los recitados de Hope Sandoval daba lugar a Mazzy Star. Hasta ahora es el proyecto que más tiempo le ha durado a David Roback quien, coherente con su concepción del negocio musical, no tiene prisa por editar discos. Como si ese ansia por la perfección formal de su otra vocación (es arquitecto) se manifestara en su labor musical, los discos de Mazzy Star aúnan el clasicismo y la perfección en el acabado. Ello ha conllevado que en doce años sólo hayan facturado tres Lps. Tres discos que no presentan aristas, cuyas canciones son perfectamente intercambiables, como si fueran un todo común. Son el reflejo de un trayectoria al margen de las modas, en busca de la forja de un fórmula musical heredada de la Velvet Underground (de ahí, su clasicismo) que tiene a Mazzy Star como alumnos magistrales.

Si bien cantidad de bandas sobresalientes, basan su sonido en la herencia de la banda de Nueva York, seguramente la Velvet hoy sonaría como Mazzy Star. Neil Young o Richard Thompson también afloran en los acordes de las canciones de la banda de San Francisco. El tema que abría el primer disco de Mazzy Star "She hangs brightly (1990)", la preciosa, Halah mostraba bien a las claras por qué parámetros se iba a mover el nuevo grupo de David Roback. El tañido de la guitarra acústica, salpicado por los paisajes de slide, completa las ensoñaciones sugeridas por la voz de Hope Sandoval, quien ya se acompañaba por su inseparable pandereta. A continuación de Halah, la otra vertiente, la oscura (Blue Flower), con unas crispadas guitarras raspando el cansino recitar de Hope, hasta culminar en ese crescendo característico de los Mazzy Star más eléctricos. Y vuelta al principio: con Ride it on volvemos a sentirnos reconfortados por el arrullo de la voz de Hope y la sutileza del crepitar de las guitarras acústicas y, cómo no, la pandereta. La oscuridad y el viaje misterioso volverá con “She hangs brightly”, que funde sus atmósferas con la herencia de los Doors (ese órgano...). Este primer disco sorprendió por la claridad de propuesta musical en un tiempo en que la indefinición era moneda corriente. Sin complejos hasta la plenitud musical. Galaxie 500 o Cowboy Junkies transitaban por esa época por caminos similares.

Tras tres años de espera llega "So tonight that I might see" (1993). Y... por supuesto, más de lo mismo. Melodías electroacústicas con sabor folk y paisajes psicodélicos buscando el infinito, aderezados todos por el peculiar cántico de la musa Hope. En esta obra maestra están presentes algunas de las perlas de la discografía de la banda de San Francisco: la emocionante Blue Light, el single Fade into you y la escalofriante canción que da título al disco, un auténtico viaje al apocalipsis. Mención aparte para la versión de Five String Serenade de Love: la sutileza hecha belleza con un violín, una guitarra y una pandereta. Esta canción es una buena metáfora de la consideración de Mazzy Star como grupo hermético y tímido, sin ganas de salir en los media, centrados únicamente en su música.

En ese sentido siempre lo han tenido claro: ellos están enamorados de su música y se manifiestan por medio de ella; no tienen más que decir. Para desgracia de sus seguidores, este hermetismo conlleva una escasa presencia en directo del grupo. Justo las giras de los discos y poco más. Desde luego, no se trata de un directo para saltar, pero el clímax alcanzado en ellos puede derivar en auténticas ceremonias espectrales con unos Mazzy Star (David Roback y acompañantes) transmutados en la Velvet de Sister Ray o en los Doors. Mientras, Hope ejerce con su presencia la labor de gran maestra de ceremonias que invita al público al viaje a otra dimensión. El último trabajo de Mazzy Star sigue surcando las mismas cristalinas aguas. Efectivamente, "Among my swan" (1996) es el paradigma de la "no-evolución".Lógico: el sonido de Mazzy Star no es de este mundo, es un sonido del más allá, un sonido de misterio (la reformulación en coordenadas pop-rock del sonido que escucha el bebé en el vientre materno, quizás?). El halo enigmático, por tanto, continúa en su tercera obra.

Sin rastro de una deriva hacia sonidos más actuales, más clásicos que nunca, David Roback y Hope Sandoval mantienen el nivel creativo de sus trabajos precedentes. Incluso, lo superan. Desde la melodía crepuscular Flowers in December al lamento de Still Cold, de la frescura de Ive been let down al bajón espiritual de Umbilical o Roseblood. Es más, Bertolucci utiliza la preciosa Rhymes of an hour como fondo musical del despertar sexual adolescente de la turbadora Liv Tyler en la injustamente vilipendiada "Belleza Robada". No es casualidad que David Roback afirmara hace unos años que sólo le interesaban del pop-rock de entonces grupos como Red House Painters o Jesus & Mary Chain, además de seguir emocionándose con la Velvet. Normal: esos dos grupos eran el reflejo de esas dos vertientes que conviven en el seno de Mazzy Star y, por supuesto, la Velvet Underground (significativamente, Roback destaca la labor de John Cale) constituía el nexo que les emparenta con el clasicismo.

Después, un largo e interminable intervalo de silencio. Ha dado tiempo para que se haya especulado con la desaparición del grupo y el abandono de Hope Sandoval del mismo. Pero no. Tras la ruptura sentimental entre los dos componentes de la banda y diferentes colaboraciones (Jesus & Mary Chain, Chemical Brothers), la musa de Mazzy Star ha decidido publicar un disco, el balsámico "Bavarian fruit bread" (2001) en el que la jefa de los mandos sea ella. Hope Sandoval & The Warm Inventions han facturado otra obra en las mismas coordenadas en las que se mueve la banda matriz, si bien se constata un sonido más ecléctico. Un trabajo más que notable, preludio del que parece va a ser, sí, por fin, el cuarto trabajo de Mazzy Star. Durante todos estos años Roback ha compuesto nuevas canciones para su grupo y al parecer ya le ha comunicado a Hope la necesidad de grabarlas. Tras seis años de espera va a ser difícil que puedan satisfacer las ansias de los seguidores del grupo. El listón, además, no puede estar más alto.

Tendrá Mazzy Star que hacer record del mundo para lograr contentar con su sonido clásico y aparentemente monótono a sus fieles? Seguro que no. El romanticismo místico que jalona las levitas oscuras de David Roback no se puede permitir decepciones creativas. Y la mayoría de sus fieles, tampoco.. Todo lo que ha pasado por su tamiz ha quedado prendado de un halo a la vez misterioso y acogedor. Como ese oscuro paraguas abierto y protector de la contraportada de "Among My Swan", que porta, escondida tras él su musa Hope. Será ella quien lo lleva? El enigma siempre oscuro de Mazzy Star.